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Joan Fontcuberta. Estética fotográfica

Estética fotográfica
Selección de textos

Joan Fontcuberta

  • Editorial: Blume
  • Lugar: Barcelona
  • Año: 1984
  • Páginas: 240
  • Colección: bb
  • ISBN: 84-7013-496-3

Tema

Joan Fontcuberta realiza un trabajo de síntesis sobre la evolución de la fotografía desde su invención hasta fechas relativamente recientes. Introduce una recopilación de textos sobre varios fotógrafos y teóricos de la fotografía.

Resumen

Fontcuberta comienza su introducción explicando cuales son las razones del desinterés de los intelectuales por la fotografía, en lo que se refiere a la interpretación más estereotipada:

  • Escaso lapso de tiempo que nos separa de su invención.
  • La banalización constante de su uso.

Y como razones más poderosas:

  • Convencionalismos culturales.
  • Y su dinámica social e ideológica.

También hay que tener en cuenta que la obra de los teóricos de la fotografía se había olvidado hasta hace poco tiempo que ha empezado a recuperarse.

Estética embrionaria y naiveté

Se pregunta F. por qué tardó tanto en producirse el feliz hallazgo de Niepce si las condiciones previas eran conocidas mucho antes (camera obscura y las propiedades fotosensibles de ciertas sustancias - pág. 10).

La tosquedad inicial de los primeros trabajos fotográficos confería a los resultados cierto aura con tanto misterio, elegancia y sencillez como ingenuidad (David Octavious Hill y Robert Adamson hicieron fotos para después realizar un cuadro y han pasado a la como imágenes importantes para entender el desarrollo de la fotografía). Poco después se iba a preconizar la decadencia por culpa de la industrialización. Fontcuberta considera, sin embargo, que la influencia de la industrialización fue positiva porque propició un consumo asequible y masivo de imágenes.

Aparece también en los inicios de la fotografía, la estética de lo accidental y del azar, que no será reivindicada hasta el dadaísmo.

Fontcuberta se va a referir también al concepto de ver fotográficamente:

  • El corte aparentemente arbitrario de las figuras por el borde de la imagen.
  • Las imprevistas formas creadas al solaparse los diferentes planos.
  • El esquema asimétrico y centrífugo.
  • La yuxtaposición de masas llenas y vacías.

Pictorialismo o purismo: la eterna controversia

  • Pictorialismo: está basado en la premisa de que una fotografía puede ser juzgada con los mismos patrones con que se juzga cualquier otro tipo de imágenes. La fotografía es el medio, y el arte es el fin. (Calotipo / Anderson).
  • Purismo: la fotografía tiene un cierto carácter intrínseco y su valor depende directamente en la fidelidad a ese carácter. Para el purista, la fotografía es a la vez fin y medio, y se muestra reticente a hablar de arte. (Daguerrotipo).

Vanguardia, síntesis y madurez

La fotografía se inserta en las corrientes artísticas de principios de siglo, por las siguientes razones:

  • En esa época de entreguerras, la humanidad se interroga sobre el sentido del arte.
  • Cambia el rol del artista que pasa a ser el ser creativo que se expresa a través de diversos medios (al arte ya no se accede a través de la pintura o la fotografía).
  • Se asume la tecnología como elemento consustancial al progreso y al futuro.
  • Se supera el viejo antagonismo entre puristas y pictorialistas.
  • Surgirán, más adelante, el fotoperiodismo y la fotografía militante, entre otros.

Otto Steinert y sus teorías sobre la Subjektive Fotografie

  • La Fotografía Subjetiva enfatiza sucinta y claramente el impulso creativo del fotógrafo individual.
  • Acepta la experimentación como un medio de dar forma a nuestras experiencias visuales.
  • No se trata de un estilo rígido, sino de una filosofía global de la fotografía.

Además de Steinert, otras dos personalidades (Minor White y Walker Evans), según Jean Claude Lemagny, tendrían enorme trascendencia en la posguerra:

  • Para White, fotografiar es un acto místico. Si para Steinert la reación consistía en el acto de seleccionar unas opciones configuradoras y desechar otras, para White lo es simplemente el ver o encontrar (págs. 34 y 35).
  • Walker Evans, por su parte, considera que la creación es entonces la aceptación global de un trozo de realidad por un momento del espíritu.
  • Según Fontcuberta, la fotografía permanecerá siempre subjetiva, irremediablemente; no sólo por razones técnicas (Steinert) o metafísicas (White), sino por la razón más simple, evidente y radical: una fotografía es siempre la obra de alguien. El fotógrafo, pues, no tiene que justificar nada más.

Robert Demachy (1859-1936)
¿Cual es la diferencia entre una buena fotografía y una fotografía artística?

Demachy establece una definición quizás muy ortodoxa de lo que es la fotografía artística. Para él, una fotografía es artística cuando su composición e iluminación son correctas, cuando sus valores son verdaderos, su tonalidad acertada y su textura adecuada y, al mismo tiempo, positivada en una superficie que satisface al ojo del artista.

Según este autor, la textura es una de las cualidades fotográficas más preciosas y, al mismo tiempo, la más descuidada. Considera, además, que el fotógrafo debe ofrecer lo siguiente: composición, iluminación, valores, tonos, texturas y procedimiento.

Charles H. Caffin (1854-1918)
La fotografía como una de las bellas artes

Hay dos caminos distintos en la fotografía:

  • Utilitario: registro de hechos.
  • Estético: la expresión de la belleza.

Ambos van paralelos y están interconectados por muchos senderos. Para Charles H. Caffin, la meta de los mejores fotógrafos, así como la de todos los verdaderos artistas, no es sólo la de producir una imagen, sino la de grabar en su positivado la impresión que sienten ante la presencia del tema y transmitir ésta a los demás (pág. 81). Se posiciona finalmente por una mentalidad abierta para con la fotografía.

Anton Giulio Bragaglia (1890-1960)
Fotodinamismo futurista

La obra de los hermanos Bragaglia será decisiva en esos momentos históricos de la fotografía, en la que se intentaba experimentar y desarrollar todas sus potencialidades expresivas. Querían reproducir la realidad de un modo no realista y fijar aquello que no se ve superficialmente.

Paul Strand (1890-1976)
La motivación artística en fotografía

Estas son algunas de las ideas de Strand:

  • Los verdaderos artistas son escasos no sólo entre pintores, escultores y compositores, sino también entre fotógrafos.
  • Las formas de los objetos, sus valores tonales, las texturas y las líneas son los instrumentos estrictamente fotográficos. El fotógrafo debe aprender a entenderlos, controlarlos y armonizarlos.
  • El autor debe utilizar y controlar la objetividad a través de la fotografía, ya que no es posible eludirla con el uso de métodos no fotográficos.

Para Strand, las gomas bicromatadas, los pigmentos y el flou son los peores enemigos, no de la fotografía que puede reivindicarse a sí misma con facilidad, sino de los fotógrafos. Realiza además duras críticas contra los pictorialistas: que no han sido capaces de descubrir las cualidades básicas de su propio medio. No ven lo que ocurre o lo que ha sucedido porque desconocen su propia tradición.

Ossip Brik (1888-1945)
Fotografía versus pintura

Para este autor, la fotografía debe encontrar su propio camino que poco tiene que ver con el del pintor. Aquí esta de nuevo la idea de que "imitar" a los pintores en sus técnicas, no ha beneficiado para nada al arte fotográfico.

Franz Roh (1890-1965)
Mecanismo y expresión. Esencia y valor de la fotografía

  • La fotografía no es una mera plasmación de la naturaleza y, sin embargo, el valor de la fotografía radica en el valor estético de la misma naturaleza.
  • En la elección de un trozo de realidad fértil está el principio organizador.
  • En la fotografía se dan cientos de posibles puntos de vista, encuadres, modos de iluminación, pero sobre todo de elecciones del sujeto mismo.
  • Considera que hay cinco niveles de aplicación de la fotografía:
    • Foto-realidad
    • Fotograma
    • Fotomontaje
    • Foto en combinación con gráfica o pintura
    • Foto en combinación con tipografía

Werner Gräff (1901-1978)
He aquí el nuevo fotógrafo

Este autor considera que: la fotografía es un arte libre, independiente. No debe estar sujeto a leyes anticuadas y ajenas a ella, ni sometida a la Naturaleza. (…) Es posible crear objetos que hablen por sí mismos siguiendo caminos diferentes, sacando de sus formas valores nuevos.

László Moholy-Nagi (1895-1946)
Del pigmento a la luz

Se plantea el problema de los ismos que en el arte es verdaderamente desconcertante. Para aclarar esta problemática analiza:

  • El carácter de cada obra de arte: la potencia inventiva, la tensión genética que desafía el análisis.
  • Los potenciales creativos de lo nuevo pueden ser sentidos claramente, pero durante cierto tiempo aparecerán envueltos en los ropajes tradicionales que se vuelven obsoletos ante su irrupción.
  • El empleo de la luz y las sombras en las fotografías en blanco y negro como algo más que un conocimiento puramente teórico.
  • Considera que la fotografía imparte un poder visual más intenso (desde el punto de vista de nuestros ojos), mayor en términos de tiempo y espacio.
  • Se pregunta también cuál es la esencia y la significación de la fotografía.
  • La fotografía ha pasado por las etapas sucesivas de los varios ismos del arte (bajo una dependencia rígida de las formas tradicionales de la pintura), aunque de ninguna forma con ventaja para ella.

Edward Weston (1886-1958)
Viendo fotográficamente

Es cierto que cada medio de expresión impone sus propios límites al artista (utensilios, materiales, proceso…); en el caso de la fotografía hay dos factores que distinguen al proceso fotográfico (de las demás artes gráficas):

  • La naturaleza del proceso de impresión:
    • Instantaneidad de su proceso de impresión.
    • El proceso no puede ser dilatado, ni detenido, cambiado o reconsiderado.
    • La imagen se registra en menos tiempo de lo que tardan los ojos en transmitir una copia similar de la escena al cerebro.
  • Naturaleza de la imagen:
    • Cualidades fotográficas:
      • Precisión de definición (registrar los pequeños detalles).
      • Secuencia ininterrumpida de la sutil gradación desde el blanco al negro.
    • La imagen fotográfica participa más de la naturaleza de un mosaico que de la de una pintura o un dibujo.

Estas ideas se vuelven muy ortodoxas cuando sugiere que sólo un papel brillante puede reproducir satisfactoriamente estas cualidades de la fotografía (pág. 174). En su opinión, la tarea más importante y más difícil es saber ver fotográficamente:

  • El fotógrafo aprende a ver una escena en términos de resultado final.
  • Una buena composición es sólo la forma de ver con más fuerza un tema.
  • Se posiciona a favor de una simplificación del equipo, técnica, etc…

W. Eugene Smith (1918-1978)
Fotoperiodismo

  • La fotografía es un medio de expresión poderoso.
  • Cómo conseguir que las fotografías vivan en la historia:
    • Profunda penetración en el carácter del tema.
    • Perfección compositiva y técnica.
  • Estas dos ideas representan un conglomerado esencial en cualquier obra maestra de la fotografía.

Berenice Abbott (1989)
La fotografía en la encrucijada

  • Casi aparece amenazada la existencia del mundo. La imagen es uno de los principales medios de interpretación y por ello su importancia es cada día mayor.
  • La fotografía es el medio adecuado para recrear el ahora, el mundo vivo de nuestros días (pág.181).
  • El fotógrafo crea, desarrolla una visión mejor, más selectiva, más aguda mirando cada vez más detalladamente lo que sucede en el mundo.
  • La fotografía (si es honrada y directa) tendría que estar relacionada con la vida contemporánea, con el pulso de hoy día.
  • En su opinión, las buenas fotografías son buenos documentos y tienen magia.
  • Lo fantástico y lo inesperado, lo que cambia y se renueva eternamente, no encuentra mejor ejemplo que en la misma vida real (pág. 186).

Henri Cartier Bresson (1908)
El instante decisivo

  • De todos los medios de expresión, la fotografía es el único que fija para siempre el instante preciso y fugitivo.
  • Lo que pasó, pasó para siempre (pág.192).
  • Para obtener un buen retrato es imprescindible el instante decisivo y una dosis de psicología.
  • En el retrato se da, en su opinión, un intento de atrapar la identidad del modelo y de lograr, al tiempo, una expresión propia.

Dentro del movimiento hay un momento en que los elementos están en equilibrio -es el momento. La composición es un elemento más que marca la unión entre la forma y el contenido (ritmo de los objetos reales - reconocimiento). La composición será una preocupación constante, pero al fotografiar debe brotar intuitivamente. En la fotografía, la organización visual solamente puede brotar cuando se ha desarrollado bien el instinto.

Minor White (1908-1976)
El ojo y la mente de la cámara

  • Mientras crea, la mente del fotógrafo está en blanco. Posiblemente el trabajo creativo del fotógrafo consista en parte en alcanzar este estado mental. Una vez se ha alcanzado dicho estado, lo que ocurre después debería ser incontrolado; produciéndose una interrelación entre: el inconsciente y el universo visual-táctil.
  • La persona se siente como instrumento de transmisión (pág. 205).
  • Este estar en blanco deberá tener un cerco de trabajo analítico.

La teoría de la Equivalencia

  • Cuando la fotografía funciona como equivalente para alguien (que corresponde a algo en su interior).
  • Lo que sucede en la mente del espectador cuando mira una fotografía, correspondencia con algo que él sabe de sí mismo.
  • Experiencia interior de una persona cuando recuerda la imagen mental sin tener la fotografía a la vista.
  • Cuando una fotografía funciona como un equivalente, es al mismo tiempo el registro de algo que está frente a la cámara y un símbolo espontáneo (pág. 211).
  • La equivalencia es la habilidad para usar el mundo visual como material plástico para los propósitos expresivos del fotógrafo.

Fotografía + Persona mirando = Imagen Mental (Función metafórica)

Los mecanismos por los cuales una fotografía funciona como un equivalente en la psique del espectador son: Proyección y Empatía / Formas y Figuras expresivas. Si la publicidad puede utilizar el efecto subliminal del diseño en fotografía para vender un producto, el fotógrafo con talento puede utilizar el mismo aspecto del diseño para más iluminados propósitos estéticos.

El efecto de proyección y empatía tiene que ver con que somos conducidos casi automáticamente a vernos en cada cosa que vemos. Por lo tanto, podemos decir que una fotografía funciona invariablemente como un espejo de, al menos, una parte del espectador.

  • La audiencia ve lo que quiere ver y no lo que el fotógrafo cree que les está mostrando.
  • Cuando inventamos un objeto convertimos la fotografía en espejo de alguna parte de nosotros mismos.
  • La Teoría de la Equivalencia es una forma para el fotógrafo de trabajar con el poder de sugestión humano, de una manera consciente y responsable.
  • El poder de la sugestión es la puerta misma a la tendencia perpetua en el arte.

Otto Steinert (1915-1978)
Sobre las posibilidades de creación en fotografía

Nos habla de los diferentes elementos de la creación fotográfica:

  • Elección del objeto y aislarlo de la naturaleza.
  • La visión en perspectiva fotográfica:
    • Desmaterialización.
    • Proyección óptica.
    • Reconstrucción fotográfica.
  • La visión dentro de la representación foto-óptica.
  • La transposición en la escala de tonos fotográficos (y en la escala de colores fotográficos).
  • Aislamiento de la temporalidad debido a la exposición fotográfica.

Etapas distintas en la creación fotográfica:

  • Imagen fotográfica que tiende a la Reproducción.
  • Imagen fotográfica que tiende a la Representación. La fotografía al servicio del objeto.
  • Creación fotográfica que tiende a la Representación. El objeto se transforma en objeto de una intención creativa.
  • Creación fotográfica absoluta:
    • Renuncia a la reproducción de la realidad.
    • Desmaterializa el objeto.
    • Utilizar elementos formales (abstracción).

Henry Holmes Smith (1909)
La fotografía en nuestros tiempos: prospecciones para la séptima década

  • La fotografía como hecho: la imagen como testimonio.
  • La fotografía como artefacto: la imagen como imagen.

Comentarios

El libro de Joan Fontcuberta es un texto esencial para todos los interesados en profundizar en la problemática de la estética fotográfica, ya que ofrece una panorámica de los puntos de vista de los principales teóricos que ha conocido este medio, la mayoría de los cuales eran también fotógrafos; como puede verse en este libro.

Tras una introducción general de Joan Fontcuberta, el libro recoge diferentes textos que tienen una gran importancia, no sólo a nivel de recopilación, sino también de contenidos; algunos de los cuales, no han sido suficientemente divulgados, por lo que de esta forma el libro cobra un valor añadido.

Friedrich Nietzsche - El Anticristo

Publicado: 25 Septiembre 2014

Nosotros hemos descubierto la felicidad, conocemos el camino, hallamos la salida de muchos milenios de laberinto. ¿Quien más la encontró? ¿Acaso el hombre moderno? "Yo no sé ni salir ni entrar; yo soy todo lo que no sabe ni salir ni entrar", así suspira el hombre moderno...

 

NIETZSCHE, Friedrich, El Anticristo. Ensayo de una crítica del Cristianismo, elaleph.com, p. 11.

Charles Morris - Fundamentos de la teoría de los signos

Fundamentos de la teoría de los signos

Charles Morris

  • Editorial: Paidós
  • Lugar: Barcelona
  • Año: 1985
  • Páginas: 122
  • Colección: Paidós Comunicación
  • ISBN: 84-7509-331-0

Tema

Es un texto clásico sobre la teoría de los signos escrito por Charles Morris. Es un intento de sintetizar, sistematizar y formular operativamente una concepción teórica capaz de desarrollar la ciencia de los signos.

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